Begeisterung mit Distanz

Wir sind dem unablässigen Beschuss durch kulturelle Versatzstücke ausgeliefert. Etwas steht für etwas. Hat sich verselbständigt. Ist zum industriell geprägten Zeichen, zum auf sich selbst zeigenden Hinweis, zur verkürzten Chiffre geworden. Und dann die Namen! Ghandi steht für Gewaltlosigkeit. Kennedy für die Hoffnung in eine Zukunft. Trump ist eine seltsame Figur, die uns mit ihren Sprüchen und kindlichen Posen aber über die Medien fortwährend untergejubelt wird. Zeichen und Wunder: Der Eiffelturm ist ein Wahrzeichen von Paris. Die Freiheitsstatue soll etwas Wichtiges an den USA zeigen. Die Engelsstatue in Rio de Janeiro... und vieles andere. Ebenso gibt es aber auch musikalische Versatzstücke, die das Gefühl mit des Gehirns Verstand koppeln und eine Art kollektivem Gedächtnis entstehen lassen. Wenn also Freddie Mercury etwas von „Meisterschaft“ jault, wenn Michael Jackson quiekt und sich tanzend ans Gemächt fasst, dann sind das alles Zeichen, Logos, Erkennungszeichen, Auslöser von Reflexen, die sich eingegraben haben in uns. Lionel Ritchie schmalzt „Hello, - it‘s me“, Momente scheinen aufgeblasen zu einem Eindruck, schnulzen sich einer Andeutung von Identität entgegen: diese typisch übertriebenen und fast Comichaft wirkenden Emotionen sehen wir auch von sogenannten Schauspielern in vielen Fernsehfilmen (sie agieren so, dass es jeder kapiert), viele hetzen „Atemlos durch die Nacht“ und lassen der Sängerin ihre Verehrung aber sowas von spüren, dass es kracht. Celine Dio schnulzt in alle Ewigkeit ihr "My heart will go on" und Joe Cocker stöhnt sein woodstockerprobtes "With a little help from my friends". Elton John rührt mit „it‘s a little bit funny“ seinem Song und taumelt tränenreich mit „Candle in the wind“ der Beerdigung von Lady Di entgegen. Er hat den Song gleich mehrfach verwertet, der geadelte Schelm, denn er hat ihn ursprünglich für Norma Jean alias Marylin Monroe geschrieben. Wir reagieren. Wir sehen uns Reaktionsweisen gegenüber. Wir nehmen es wahr und reagieren aus einer anderen Warte, sollen aber gleichzeitig etwas von der Faszination dieser Figur transportieren, sollen ihrer populären Wirkung nachspüren und das dann möglichst begründen. Begeisterung auslösen als Folge einer langen Kette von gesellschaftlichen Mechanismen. Das eine oder andere aufzubrechen und es unter Wahrung der Massenperspektive darzustellen, könnte vielleicht die Aufgabe des Kritikers sein.

Kritik als Abgrenzung

Popmusiker und Popkritiker. Als Popkritiker hört man das Zeugs ja ununterbrochen, es ist Material, zu dessen Anhören man gezwungen ist. Kein Wunder, dass man irgendwann anfängt, im allmählich gehassten „Mainstream“ das Außergewöhnliche oder das "Innovative" zu suchen und dann zu propagieren, es öffentlich regelrecht zu fordern und zu lieben. Man hat ja den Überblick. Die meisten Kritiker freilich wollen diese ihre Sicht dann absolut setzen, womit sie schon den ersten Schritt der Entfernung vom „Normalkonsumenten“ machen, der Musik höchstens mal zwischendrin zur Entspannung hört und sehr viel mehr auf billige Popheldenverehrungsreflexe denn auf Kritikerergüsse reagiert, wofür das Gros der Popmusik auch gemacht ist. Im Rahmen seiner Rolle als Avantgardist, der alles souverän zu überblicken glaubt, scheint der Popkritiker mit solchen populären Reflexen so gar nichts am Hut zu haben und grenzt sich also fortwährend gegen solche „irrelevanten“ Bestrebungen ab. Er selbst wähnt sich viel näher am Gral, sieht sich als reflektierten Menschen, vergisst aber darüber gerne, dass die drei Buchstaben „Pop“ für „populär“ stehen. Also eine Musik, die in industriellen Verhältnissen produziert unter anderem mit grellen Effekten und Übertreibungen operiert, mit Vereinfachungen, Reflexen und Hörgewohnheiten, die nichts oder wenig auf Geschmäcklereien von "Durchblickern" gibt, sondern die Masse des Volkes („Populus“) bedient. Dieses Volk macht sie dann durch Tricks und Effekte (oft Sex, aber auch andere Egokultismen...) des Hervortuns zu Konsumenten und in der Folge zu Bewunderern, die das ausleben, was man selbst als Angehöriger einer Masse gerne ausleben würde, es aber nicht kann. Pop ist also Massenkultur, hat aber im Laufe seiner Entwicklung auch andere Ausdrucksmöglichkeiten gewonnen. Deren scheinbare „Relevanz“ und Wichtigkeit für den Fortgang des Ganzen aufzuzeigen, hat sich der Popkritiker oft vorgenommen. Seine Recherche beschränkt sich dabei allzu oft auf dem Nachspüren von Trends, im Untergrund, in der Avantgarde dessen, was man für so „relevant“ hält, dass es gar seinen Einfluss auf Massenphänomene nehmen könnte. Die Gefahr: sich in der Mitte eines Flow zu wähnen, der nur dazu da ist, bestimmten Leuten eine Möglichkeit zur Abgrenzung zu verschaffen, sich als Wissender einzuordnen, dort wo plumpe Reflexe regieren. Sicher, es gilt das Originelle aufzuspüren, das, was potentiell auch eine Masse ansprechen könnte, das mit seiner Kreativität nahezu überwältigt. Doch betrachte ich die Realität der Popkritik, so kommen mir erhebliche Zweifel an einer solchen Sicht. Meist scheint mir ja doch das nachgeäfft zu werden, was unter Wissenden und Auskennern gerade angesagt ist. 

Albenpoesie

Wenn ich mir altem Speckkopf so zusehe, dann muss ich feststellen, dass ich ganz gegen die Gewohnheiten der „heutigen“ Hörer meist ganze Alben durchhöre – oder zumindest mehrere Titel lang einem Künstler auf diesem Wege zuhöre. Ich lasse die Sounds auch oft lange Zeit durch meine Räume strömen. Mir kommt es so vor – sei es Zufall oder nicht, seien es Gewohnheiten oder ein von „oben“ gegebenes Maß – dass das typische Album eine ganz gute Länge hat, um einen aktuellen „Zustand“ zu dokumentieren. Außerdem bricht sich Kreativität in diesem Falle an mehreren Formen, zeigt, in welche „Gewänder“ und Ausdrucksformen sie schlüpfen kann. Den aktuellen Stand der Band oder der KünstlerIn wird so besser deutlich. Auch die jeweile Organisation von Klängen und Spielformen, also das Arrangement, sagt doch etwas über eine künstlerische Bemühung aus. Wobei wir schon beim nächsten Punkt wären: einem „Kennenlernen“ des Künstlers und seiner Eigenarten, die an mehreren Stücken auch deutlich besser möglich ist als an einem einzigen Stück, das mir vielleicht zur eigenen Belustigung dienen kann, mit dem jeweiligen Künstler aber nicht viel zu tun hat. So hat mich zum Beispiel der Künstler Pat Metheny (ein besonders populärer Musiker der „Jazzszene“, - igitt!) immer gefallen und es wuchs zunehmend der Wusch in mir, seine Entwicklung nachzuverfolgen. Es fehlten mir aber auch Passagen aus der Vergangenheit, die ich nach und nach mit dem Anschaffen früherer Alben ausglich. Genauso ging es mir mit Laurie Anderson und anderen, - was eine kritische Auseinandersetzung nicht ausschloß und weit von jenem Fan-Tum, dieser fanatisch faszinierten Anhängerschaft,  entfernt war, das die heutige Szene so sehr prägt. Und, was soll ich sagen? Ich habe in einem nachhaltigen Sinne davon profitiert, glaube, des Künstlers Ausdrucksformen besser verstanden zu haben, seine Phrasierungseigenheiten, seinen Klang, seine Eigenheiten - kurzum: seine musikalische Mitteilungsform.

Nur ein Spiel

Nun ja, ein bisschen ist es ja eine philosophische Frage: Diese Remix- und Remastered-Versionen von alten Meisterwerken. Das Bemühen ist ja erkennbar, nämlich alte Sachen mit dem heutigen Stand der Technik aufpolieren, sie heutigen Standards anzupassen. Doch dahinter erscheint auch ein anderes Bemühen erkennbar: noch einmal abkassieren mit legendären Werken, noch einmal verdienen und Kohle machen. Ob aber dahinter auch die Frage auftaucht, ob denn bestimmte „Meisterwerke“ in eine bestimmte Zeit gehören, ob sie sie auf ihre Weise spiegeln und eine Art Zeitzeugnis sind, das nicht unbedingt mit „heutigen“ Mittel verfremdet und „aufpoliert" werden muss? Ob jemand eine "Aktualisierung" der Werke von Johann Sebastian Bach wünscht? Ob alleine schon das andere Zeitgefühl, das solche Aufnahmen in den 60er, 70er und 80er Jahren meist prägte, zwingend dazu gehört zu einer bestimmten Produktion? Die langen Anlauf- und Aufbauzeiten, das ausgedehnte Intro samt den von virtuosen Soli durchfurchten Durchführungen gehörte ja damals dazu, waren ein Zeugnis der Bedingungen, unter denen sie entstanden sind, - oder? Andererseits könnte es wohl ein reizvolles Spiel sein, sich anzuhören, wie denn eine mit heutigen technischen Mitteln geglättete Version des alten sich anhören könnte (Die Drums ein bisschen mehr "Wumms" geben, die Raumeffekte ein bisschen ausbauen, mehr Präsenz insgesamt...etc.). Das damals vorherrschende Modell einer Band, also eines Gang-artigen Gruppenkonsenes, wird ja heute oft repräsentiert von „prominenten“ Mitgliedern solcher Bands, die sich für eine Neuinterpretation ihrer Eingebungen meist monatelang in ein Studio eingeschlossen haben. Man sollte solche noch einmal veröffentlichten „Kicks“ nicht allzu ernst nehmen, meine ich. Etwas zu renovieren und es restaurieren schafft eben gerade nicht dieses Abbild einer Zeit und der zu ihr gehörenden technischen Möglichkeiten. Es ist eine Art von Herüberretten von industriell hergestellter Volksmusik, die immer schon von den jeweiligen technischen Bedingungen abhängig war. Es ist ein Spiel zum Zwecke des Profitmachens, - sonst nichts. 

One World!

Diese Leute bohren sich offensichtlich auf recht luxuriöse Weise durch ihren Alltag. Man glaubt den jederzeit auftauchenden Diener, der ihnen willfährig zu Diensten steht, geradezu zu ahnen. Er liegt „in der Luft“. „In the Air“. Dazu tun sie so, als würden sie Klavier spielen können und nennen es „One World: Together at home“. Die Wunder des Digitalen machen es möglich. Schon ein bisschen peinlich, wenn viele von ihnen „so tun als ob“. Dabei ist alles künstlich und virtuell. Hergestellt. In Wirklichkeit beschäftigen sie oft ganze Stäbe an dienstbaren Geistern, die auf allerlei Maschinen den Sound für sie machen, die Unterlage, auf der sie glänzen wollen. Sie tragen dann meist eine vage Idee bei, damit sie später Tantiemen abgreifen können. Wichtig ist, dass sie so tun, als seien wir alle beieinander. Irgendwie. Wir alle. Wenn auch virtuell. Große ausladende Kamine durften wir bewundern. Große Räume, die die Sicherheitsabstände locker garantieren..... Bourgoises Gediegenheits-Getue. Oder auch nicht gemachte Betten, - alles zum Zwecke der Erzeugung von Authentizität. Sich selbst zur Marke machen, sich inszenieren. Wird auch an den Popakademien gelehrt.  

 

Schmalzstullen gab es genug. Lieder, die rühren und einem nahe gehen sollen. Tanzchoreografien weniger. Großmogule des populären Lieds präsentierten sich und ihre Herrlichkeit (bzw. Dämlichkeit). Die Stones dabei. Boten Handgearbeitetes dar. „You can‘t always get, what you want“. Die alten Schrumpelgesichter. Wissen, wie's alles geht! Hoben sich zwangsläufig ein bisschen ab von all den glänzenden Oberflächlichkeiten und aufpolierten Fassaden der andern. Der Trick: genau das ist ihr Image! Die unverwüstlichen Kerle! Publikumswirksam focht man dann noch einen alten Strauß mit dem Kollegen McCartney aus. Nun ja! Beatles gegen Stones. Hm. Die Festivals fallen jetzt alle aus. Es stehen zunächst also keine Pilgerfahrten der Gemeinsamkeit mehr an. Die großen Gassenhauer muss man sich zunächst in leibhaftiger Darbietung verkneifen. Sie fallen zum Leid der armen Veranstalter aus. Nun ja, für in geschwollene  Töne gesetzte und gospelgetränte Rufe nach dem Herrn (im schwarzen Smoking) sind solche Festivals ja sowieso wenig geeignet. Mir scheint, dass durch diese Show eine Art Distanz demonstriert wurde und das, wozu das Popgeschäft in Jahrzehnten nach „Live Aid“ geworden ist. 

Er stand an meiner Seite (1)

Ich lasse mich durch meine CD-Sammlung treiben und bleibe an einem hängen, der inzwischen verstummt zu sein scheint. Wir wissen nichts mehr über ihn, nachdem er bis tief hinein in die 2000er Jahre eine Art Kult, Säulenheiliger und Unberührbarer gewesen war, der sich zumindest in Europa beliebig von der veröffentlichten Meinung feiern lassen konnte: Tom Waits. Es wird wohl eines Tages seine Todesmeldung samt den damit verbundenen lobhudelnden Nachrufen kommen. 

Welch seltsame Wendungen aber seine musikalische Persönlichkeit genommen hat! Ich war darin stets einer der aufmerksamen Begleiter; Er stellte mir Rätsel. Er erschuf sich wohl als eine Art Kunstfigur, so recht durchsichtig war das für mich nie. Genau das schien das Faszinierende zu sein. In den Zeitgeist passte er eine Weile, - wenigstens hierzulande. Dabei schien er sich zunehmend in eine Art Kunstwelt der Hochkultur abzusetzen. Dass seine Ehefrau zunehmend einen großen Anteil an all seinen künstlerischen Umtrieben hatte, - gewiss. Aber was bedeutet das? Robert Wilson, dessen Oper „Einstein on the Beach“ ich einst erlebt hatte, scheint auch einen großen Einfluss auf ihn gehabt zu haben. Diese surrealen Welten, diese farbigen Opulenzen, sie wurden spät zwar diskreditiert und schienen für bestimmte Kritiker ein Abdriften ins allzu Künstlerische zu signalisieren. In mir schienen sie aber immer wieder auf und ich war nicht sehr überrascht, als Waits sich zum Projekt „The Black Rider“ (1993) nach Motiven von Carl Maria von Webers „Freischütz“ mit Wilson einließ. Schon 1982 hatte er die melancholische Träumermusik zum Film „One from the Heart“ geschaffen, wozu ich extra ins Kino gegangen war und mir die Vinylscheibe angeschafft hatte. Heute scheinen das Episoden aus meinem Leben, die ich immer noch nicht ausgedeutet habe. Fest steht, dass sie mich stark beeinflusst haben. Die Anfänge, „Closing Time“ etc. ….ich habe sie mir später zu erschließen versucht, ein paar Songs waren auch zuvor schon zu mir herüber geweht. Auch durch seine Kurzzeitpartnerschaft mit Rickie Lee Jones hatte sich mir das einigermaßen erschlossen, war er doch zu jener Zeit noch ein einigermaßen konventioneller Songschreiber. Später wehte als eine Art seltsam funkelnder Edelstein der Song „A Tinker and a Tailor“ an mir vorbei. Wie schön war das in die Welt geworfen!

Auskennermeinung

Wenn ich heute Artikel über Popmusik lese, so stelle ich fest, dass der Trend zum Hype, vermischt mit sehr persönlichen Vorlieben, sich noch verstärkt hat seitdem ich aus diesem Bereich gegangen bin. Wenn überhaupt etwas Substanzielles abgesondert wird, so werden ziemlich unverblümt sehr subjektive Geschmacksurteile vermischt mit dem gerade grassierenden Hype aufgefahren, um eine eben nett ausgespuckte „Meinung“ sofort zu verallgemeinern und - ganz wichtig! - um auf der Höhe der Zeit im Kanon mit den "Auskennern" zu sein. Es wird offenbar ein Kaufrausch inszeniert, dem sich der „normale“ alltägliche „Konsument“ allein schon aus Mangel an Geld gar nicht hingeben könnte. Bei der Wahrnehmung solcher Mechanismen konnte ich lächelnd auf eigene als „Lesefrüchte“ formulierte Erfahrungen zurück greifen. Postmoderne ahoi! Was zählte und hip war, das war die kopfnickende Zustimmung zu heiligen Kühen des Popkanons, dieses Gefühl des „Dabei-seins“, und „ganz-vorne-seins“, das für mich stark in eine bestimmte soziale Richtung zeigte: Distinktion war angesagt, „drin“ und „draußen“ sein. Etwas, was ich zu kennen glaubte. Ein Wissender sein, der völlig seiner Wahrnehmungsblase verhaftet, ignorant und arrogant den Kanon dessen beschwor, was als „hip“ galt. Es gab dabei Chiffren des Auskennens, die dem Bildungsbürgertum und seinen „Kriterien“ ziemlich nahe standen.

 

Pop musste grell, unanständig und lustbetont sein, sonst taugte es nichts. Basta. Je mehr, desto besser. Wo war da der Zweifel, der uns, die wir uns um etwas anderes mühten, alle gelegentlich beschlich? Wo war das Argument, das uns betroffen hatte, all die Unsicherheiten, die uns und eine bestimmte Art von Musik grundsätzlich absetzte von diesen eitlen Kulturpäpsten, den geschmäcklerischen Selbstinszenierern, den Bescheidwissern der Kultur, die halt in der Arena der netten Formulierungen eine weitere Pirouette drehten, ohne jemals die gesellschaftlichen Bedingungen für ihr Kritiker- aber auch für das „Künstlerdasein“ zu berücksichtigen? Waren wir allwissend? Wer waren wir überhaupt? Es schien bei all diesen hippen Aufgeregtheiten um eine Art Konsumberatung zu gehen und um eine durch extreme Formulierungen oder steile Thesen aufgepumpte „Expertise“ des Kundigen, um Demonstration von Insidertum. Das alles fing damit an, dass das Gefällige und Artige, das handwerklich „Gut Gemachte“ als Pop plötzlich angesagt war, mochte es sich auch noch so schlimmen Klischees der Götzenanbetung bedienen und affirmativ im Einklang mit der es umgebende Kulturszene sein. Im allgemeinen Getümmel von Techno, Punk, Metal, Elektro oder Grunge schien das sowieso egal zu sein. Da blickte sowieso niemand mehr durch. Und dazwischen der gehasste Mainstream, das Gewöhnliche und Alltägliche, von dem man sich mit allen Mitteln abzusetzen versuchte. Dass Pop irgendetwas mit dem Wort „popular“ zu tun hatte, wurde durchweg geleugnet und war etwas für die stumpfe Masse der „Konsumenten“, von denen man sich kraft seines selbstgenügsamen Auskennertums in seine Nische absetzen konnte. Ja, aber so hat Pop und Rock immer funktioniert! Ein System von Zeichen verstehen, im Gegensatz zu „den Anderen“. Mittlerweile hat sich all das nivelliert und ist in einem Strom von überall grassierenden Klängen untergegangen. Der Mechanismus funktioniert längst nicht mehr und ist im anonymen Showbiz verschwunden.

Teure Erinnerungen

Natürlich hatten wir mit einem Seitenblick all die Berichte über alternde Rockstars wahrgenommen, von denen viele eine Existenz als begüterte Landedelmänner (Männer!!!!, die "alten Zeiten" scheinen nicht besonders emanzipiert gewesen zu sein...) zu fristen scheinen. Von dem, was einem dazu blieb: David Gilmour, der Pink Floyd-Gitarrist, der schon vom Äußeren her das zu repräsentieren scheint, was man an ihm beobachtet: Zu reich, um noch irgendwelche Reunion-Versuche zusammen mit jungen Musikern zu versuchen. Damit beschäftigt, einen reichen und vielköpfigen Kindernachwuchs materiell zu befriedigen, was speziell dieser Person nicht allzu schwer fallen dürfte. Derartige Figuren scheint es im angelsächsischen Raum viele zu geben. 

Bei all der durchlebten Vergangenheit aber immer noch gut drauf, was das eigene Solo-Werk angeht: gelegentliche Tourneen werden von der veröffentlichten Meinung erwartungsgemäß und PR-gestützt durchweg bejubelt. Der feingliedrige Feingeist, der, der einst in eine Psychedelikdurchwirkte Band eingestiegen war, die allerlei Experimente versuchte und die dem Autor dieser Zeilen dabei auch ein paar nette Momente beschert hatte: zum teuren Besuch der Konzerte dieser Spielgruppe hatte dieser "Autor" sich jedoch nie entschließen können. Allein die Opulenz, die Bombastik und die nach seiner Einschätzung völlig übertriebene Selbstinszenierung hatte ihn schon früh gestört.

Hinzu kamen dann verschiedene personelle Empfindlichkeiten innerhalb dieser völlig überschätzten Kapelle, was nach dem vielverkauften Doppelalbum „The Wall“ in der Rockszene zu einer permanenten Beobachtung der personellen Dinge dieser Band führte.

Wiedervereinigung, ja oder nein? Versöhnung?  Ob das berechtigt war? Ich mochte immer den Gitarrenstil von Gilmour, fand aber die Kreativität dieser Band einigermaßen überbewertet. All die Posen jener Zeit werden darüber hinaus von den reich und satt gewordenen Protagonisten dieser Zeit noch einmal vorgeführt, was mir ein Lächeln ins Gesicht zaubert. Die Schockrocker, die Hippieposen, die Süßlichkeiten und Verklärungen, die Verklärungen des einzig Echten und Ehrlichen. Man würde sich wünschen, dass mehr Menschen diese berechnende Posen endlich durchblicken würden und nicht nur ihr Vorführen in seltsamen Erstarrungen blind und unreflektiert feiern würden, unter anderem in sentimentalen diffusen Erinnerungen. 

Comeback der Untoten

Mal sehen, ob das jetzt nach den Wahlen in den USA ein bisschen besser wird: Gealterte Rockhelden schreiben blümerante Verse über ihr Land, schwelgen in Erinnerungen an die guten Zeiten, entwerfen Symbole, fühlen sich wohl im Kreise grau gealterter Bandkumpels als alte Kameraden, spekulieren über das Kosmische, das in allen Dingen wohnt, ergehen sich in sarkastischen Humor und loben den Geist bestimmter Bands, blicken zurück in Wehmut, beleben die bewährten Formeln noch einmal - kommen aber ob all der verspannten Poesie nie zur Sache. Engagement? Politische Reflektion? Fehlanzeige! Dabei leben sie doch in einer sozialen Wirklichkeit, müssten auch von Menschen umgeben sein, die nicht unbedingt aus der eigenen Wahrnehmungsblase kommen. Rassismus, Faschismus, Klimakatastrophe? Wo leben diese Leute? Es erhebt sich der Verdacht, dass sie sich ihre eigene Welt leisten können, dass sie sich dem vermeintlichen Hedonismus der Privilegierten hingeben, dass sie alte Mythen als das einzig wahre Echte wieder aufleben lassen wollen, - natürlich zu ihrem eigenen Nutzen und Frommen. Wie ein Zirkuspferd werden sie dann auf Comeback-Tourneen alte Lebenslügen jeden Abend zelebrieren und ihre Faltengesichter gegen untertänigst bereit gestellte Kameras halten. Sie werden ihre alten Geschichten in neuen Schläuchen präsentieren, im Internet, auf den Social Media Kanälen. Sie werden überall wie Spieluhren alte Songs repetieren, weil sie dafür Geld bekommen. Dafür werden sie junge Musiker engagieren, die unter alten Namen ihre alte Musik handwerklich perfekt herstellen können. Fast würde man sich wünschen, dass manche derartige Figuren rechtzeitig gestorben wären, bevor sie in meinen Augen alles verraten haben, wofür sie mal standen.   

Pophedonismus

Ich überflog unlängst einige journalistische Einlassungen zu den neuen Alben von Taylor Swift und Miley Cyrus. Dabei ergab sich das Übliche: Die Damen wurden in den höchsten Tönen als „das Beste“ überhaupt gepriesen, das Maß aller Dinge. Daneben waren nicht einmal Andeutungen dazu zu lesen, wie man zu solchen Beurteilungen gekommen war, wie sie entstanden sind. Ob es nicht auch andere Meinungen dazu gibt? Oder ob es eine besonders fundierte Meinung einer Expertin/Experten ist? Meiner Einschätzung nach wird auf diese Weise das alte populistische Spiel weiter eingeübt, dass es etwas nachzuäffen gibt, um vor allem „im Strom der Zeit“ zu sein. Pop als Zeitgeistsymptom. Genderspiele. Klamotten. Image. „Dabei sein“. Grenzüberschreitungen aller Art, die auf mich uninteressant langweilig wirken. 

Dabei war doch sowas wie Kreativität einstmals auch ein Kriterium. Dazu ist festzustellen, dass heutzutage gewisse Alben mit denselben Sounds von denselben Stäben erstellt wurden. Dasselbe marketingorientierte Tempo, die kalkulierten Sounds, Von irgendwelcher Kreativität oder Originalität der dahinter stehenden Personen erscheint mir da wenig zu spüren zu sein. Ausdrucksvermögen, Stil? Nun ja, darin gleicht ein Album dem nächsten, egal welche Person als Urheber dazu genannt wird. So kommt es mir jedenfalls vor. Stehen diese Personen überhaupt für irgendetwas? Nun ja, sie scheinen den Hedonismus zu signalisieren, der sich über alles hinweg setzt, was gerade jetzt, in Corona-Zeiten, eine eigene Relevanz zu zeigen scheint. 

Begeisterung mit Distanz

Wir sind dem unablässigen Beschuss durch kulturelle Versatzstücke ausgeliefert. Etwas steht für etwas. Hat sich verselbständigt. Ist zum industriell geprägten Zeichen, zum auf sich selbst zeigenden Hinweis, zur verkürzten Chiffre geworden. Und dann die Namen! Ghandi steht für Gewaltlosigkeit. Kennedy für die Hoffnung in eine Zukunft. Trump ist eine seltsame Figur, die uns mit ihren Sprüchen und kindlichen Posen aber über die Medien fortwährend untergejubelt wird. Zeichen und Wunder: Der Eiffelturm ist ein Wahrzeichen von Paris. Die Freiheitsstatue soll etwas Wichtiges an den USA zeigen. Die Engelsstatue in Rio de Janeiro... und vieles andere. Ebenso gibt es aber auch musikalische Versatzstücke, die das Gefühl mit des Gehirns Verstand koppeln und eine Art kollektivem Gedächtnis entstehen lassen. Wenn also Freddie Mercury etwas von „Meisterschaft“ jault, wenn Michael Jackson quiekt und sich tanzend ans Gemächt fasst, dann sind das alles Zeichen, Logos, Erkennungszeichen, Auslöser von Reflexen, die sich eingegraben haben in uns. Lionel Ritchie schmalzt „Hello, - it‘s me“, Momente scheinen aufgeblasen zu einem Eindruck, schnulzen sich einer Andeutung von Identität entgegen: diese typisch übertriebenen und fast Comichaft wirkenden Emotionen sehen wir auch von sogenannten Schauspielern in vielen Fernsehfilmen (sie agieren so, dass es jeder kapiert), viele hetzen „Atemlos durch die Nacht“ und lassen der Sängerin ihre Verehrung aber sowas von spüren, dass es kracht. Celine Dio schnulzt in alle Ewigkeit ihr "My heart will go on" und Joe Cocker stöhnt sein woodstockerprobtes "With a little help from my friends". Elton John rührt mit „it‘s a little bit funny“ seinem Song und taumelt tränenreich mit „Candle in the wind“ der Beerdigung von Lady Di entgegen. Er hat den Song gleich mehrfach verwertet, der geadelte Schelm, denn er hat ihn ursprünglich für Norma Jean alias Marylin Monroe geschrieben. Wir reagieren. Wir sehen uns Reaktionsweisen gegenüber. Wir nehmen es wahr und reagieren aus einer anderen Warte, sollen aber gleichzeitig etwas von der Faszination dieser Figur transportieren, sollen ihrer populären Wirkung nachspüren und das dann möglichst begründen. Begeisterung auslösen als Folge einer langen Kette von gesellschaftlichen Mechanismen. Das eine oder andere aufzubrechen und es unter Wahrung der Massenperspektive darzustellen, könnte vielleicht die Aufgabe des Kritikers sein.

Kritik als Abgrenzung

Popmusiker und Popkritiker. Als Popkritiker hört man das Zeugs ja ununterbrochen, es ist Material, zu dessen Anhören man gezwungen ist. Kein Wunder, dass man irgendwann anfängt, im allmählich gehassten „Mainstream“ das Außergewöhnliche oder das "Innovative" zu suchen und dann zu propagieren, es öffentlich regelrecht zu fordern und zu lieben. Man hat ja den Überblick. Die meisten Kritiker freilich wollen diese ihre Sicht dann absolut setzen, womit sie schon den ersten Schritt der Entfernung vom „Normalkonsumenten“ machen, der Musik höchstens mal zwischendrin zur Entspannung hört und sehr viel mehr auf billige Popheldenverehrungsreflexe denn auf Kritikerergüsse reagiert, wofür das Gros der Popmusik auch gemacht ist. Im Rahmen seiner Rolle als Avantgardist, der alles souverän zu überblicken glaubt, scheint der Popkritiker mit solchen populären Reflexen so gar nichts am Hut zu haben und grenzt sich also fortwährend gegen solche „irrelevanten“ Bestrebungen ab. Er selbst wähnt sich viel näher am Gral, sieht sich als reflektierten Menschen, vergisst aber darüber gerne, dass die drei Buchstaben „Pop“ für „populär“ stehen. Also eine Musik, die in industriellen Verhältnissen produziert unter anderem mit grellen Effekten und Übertreibungen operiert, mit Vereinfachungen, Reflexen und Hörgewohnheiten, die nichts oder wenig auf Geschmäcklereien von "Durchblickern" gibt, sondern die Masse des Volkes („Populus“) bedient. Dieses Volk macht sie dann durch Tricks und Effekte (oft Sex, aber auch andere Egokultismen...) des Hervortuns zu Konsumenten und in der Folge zu Bewunderern, die das ausleben, was man selbst als Angehöriger einer Masse gerne ausleben würde, es aber nicht kann. Pop ist also Massenkultur, hat aber im Laufe seiner Entwicklung auch andere Ausdrucksmöglichkeiten gewonnen. Deren scheinbare „Relevanz“ und Wichtigkeit für den Fortgang des Ganzen aufzuzeigen, hat sich der Popkritiker oft vorgenommen. Seine Recherche beschränkt sich dabei allzu oft auf dem Nachspüren von Trends, im Untergrund, in der Avantgarde dessen, was man für so „relevant“ hält, dass es gar seinen Einfluss auf Massenphänomene nehmen könnte. Die Gefahr: sich in der Mitte eines Flow zu wähnen, der nur dazu da ist, bestimmten Leuten eine Möglichkeit zur Abgrenzung zu verschaffen, sich als Wissender einzuordnen, dort wo plumpe Reflexe regieren. Sicher, es gilt das Originelle aufzuspüren, das, was potentiell auch eine Masse ansprechen könnte, das mit seiner Kreativität nahezu überwältigt. Doch betrachte ich die Realität der Popkritik, so kommen mir erhebliche Zweifel an einer solchen Sicht. Meist scheint mir ja doch das nachgeäfft zu werden, was unter Wissenden und Auskennern gerade angesagt ist. 

Albenpoesie

Wenn ich mir altem Speckkopf so zusehe, dann muss ich feststellen, dass ich ganz gegen die Gewohnheiten der „heutigen“ Hörer meist ganze Alben durchhöre – oder zumindest mehrere Titel lang einem Künstler auf diesem Wege zuhöre. Ich lasse die Sounds auch oft lange Zeit durch meine Räume strömen. Mir kommt es so vor – sei es Zufall oder nicht, seien es Gewohnheiten oder ein von „oben“ gegebenes Maß – dass das typische Album eine ganz gute Länge hat, um einen aktuellen „Zustand“ zu dokumentieren. Außerdem bricht sich Kreativität in diesem Falle an mehreren Formen, zeigt, in welche „Gewänder“ und Ausdrucksformen sie schlüpfen kann. Den aktuellen Stand der Band oder der KünstlerIn wird so besser deutlich. Auch die jeweile Organisation von Klängen und Spielformen, also das Arrangement, sagt doch etwas über eine künstlerische Bemühung aus. Wobei wir schon beim nächsten Punkt wären: einem „Kennenlernen“ des Künstlers und seiner Eigenarten, die an mehreren Stücken auch deutlich besser möglich ist als an einem einzigen Stück, das mir vielleicht zur eigenen Belustigung dienen kann, mit dem jeweiligen Künstler aber nicht viel zu tun hat. So hat mich zum Beispiel der Künstler Pat Metheny (ein besonders populärer Musiker der „Jazzszene“, - igitt!) immer gefallen und es wuchs zunehmend der Wusch in mir, seine Entwicklung nachzuverfolgen. Es fehlten mir aber auch Passagen aus der Vergangenheit, die ich nach und nach mit dem Anschaffen früherer Alben ausglich. Genauso ging es mir mit Laurie Anderson und anderen, - was eine kritische Auseinandersetzung nicht ausschloß und weit von jenem Fan-Tum, dieser fanatisch faszinierten Anhängerschaft,  entfernt war, das die heutige Szene so sehr prägt. Und, was soll ich sagen? Ich habe in einem nachhaltigen Sinne davon profitiert, glaube, des Künstlers Ausdrucksformen besser verstanden zu haben, seine Phrasierungseigenheiten, seinen Klang, seine Eigenheiten - kurzum: seine musikalische Mitteilungsform.

Nur ein Spiel

Nun ja, ein bisschen ist es ja eine philosophische Frage: Diese Remix- und Remastered-Versionen von alten Meisterwerken. Das Bemühen ist ja erkennbar, nämlich alte Sachen mit dem heutigen Stand der Technik aufpolieren, sie heutigen Standards anzupassen. Doch dahinter erscheint auch ein anderes Bemühen erkennbar: noch einmal abkassieren mit legendären Werken, noch einmal verdienen und Kohle machen. Ob aber dahinter auch die Frage auftaucht, ob denn bestimmte „Meisterwerke“ in eine bestimmte Zeit gehören, ob sie sie auf ihre Weise spiegeln und eine Art Zeitzeugnis sind, das nicht unbedingt mit „heutigen“ Mittel verfremdet und „aufpoliert" werden muss? Ob jemand eine "Aktualisierung" der Werke von Johann Sebastian Bach wünscht? Ob alleine schon das andere Zeitgefühl, das solche Aufnahmen in den 60er, 70er und 80er Jahren meist prägte, zwingend dazu gehört zu einer bestimmten Produktion? Die langen Anlauf- und Aufbauzeiten, das ausgedehnte Intro samt den von virtuosen Soli durchfurchten Durchführungen gehörte ja damals dazu, waren ein Zeugnis der Bedingungen, unter denen sie entstanden sind, - oder? Andererseits könnte es wohl ein reizvolles Spiel sein, sich anzuhören, wie denn eine mit heutigen technischen Mitteln geglättete Version des alten sich anhören könnte (Die Drums ein bisschen mehr "Wumms" geben, die Raumeffekte ein bisschen ausbauen, mehr Präsenz insgesamt...etc.). Das damals vorherrschende Modell einer Band, also eines Gang-artigen Gruppenkonsenes, wird ja heute oft repräsentiert von „prominenten“ Mitgliedern solcher Bands, die sich für eine Neuinterpretation ihrer Eingebungen meist monatelang in ein Studio eingeschlossen haben. Man sollte solche noch einmal veröffentlichten „Kicks“ nicht allzu ernst nehmen, meine ich. Etwas zu renovieren und es restaurieren schafft eben gerade nicht dieses Abbild einer Zeit und der zu ihr gehörenden technischen Möglichkeiten. Es ist eine Art von Herüberretten von industriell hergestellter Volksmusik, die immer schon von den jeweiligen technischen Bedingungen abhängig war. Es ist ein Spiel zum Zwecke des Profitmachens, - sonst nichts. 

One World!

Diese Leute bohren sich offensichtlich auf recht luxuriöse Weise durch ihren Alltag. Man glaubt den jederzeit auftauchenden Diener, der ihnen willfährig zu Diensten steht, geradezu zu ahnen. Er liegt „in der Luft“. „In the Air“. Dazu tun sie so, als würden sie Klavier spielen können und nennen es „One World: Together at home“. Die Wunder des Digitalen machen es möglich. Schon ein bisschen peinlich, wenn viele von ihnen „so tun als ob“. Dabei ist alles künstlich und virtuell. Hergestellt. In Wirklichkeit beschäftigen sie oft ganze Stäbe an dienstbaren Geistern, die auf allerlei Maschinen den Sound für sie machen, die Unterlage, auf der sie glänzen wollen. Sie tragen dann meist eine vage Idee bei, damit sie später Tantiemen abgreifen können. Wichtig ist, dass sie so tun, als seien wir alle beieinander. Irgendwie. Wir alle. Wenn auch virtuell. Große ausladende Kamine durften wir bewundern. Große Räume, die die Sicherheitsabstände locker garantieren..... Bourgoises Gediegenheits-Getue. Oder auch nicht gemachte Betten, - alles zum Zwecke der Erzeugung von Authentizität. Sich selbst zur Marke machen, sich inszenieren. Wird auch an den Popakademien gelehrt.  

 

Schmalzstullen gab es genug. Lieder, die rühren und einem nahe gehen sollen. Tanzchoreografien weniger. Großmogule des populären Lieds präsentierten sich und ihre Herrlichkeit (bzw. Dämlichkeit). Die Stones dabei. Boten Handgearbeitetes dar. „You can‘t always get, what you want“. Die alten Schrumpelgesichter. Wissen, wie's alles geht! Hoben sich zwangsläufig ein bisschen ab von all den glänzenden Oberflächlichkeiten und aufpolierten Fassaden der andern. Der Trick: genau das ist ihr Image! Die unverwüstlichen Kerle! Publikumswirksam focht man dann noch einen alten Strauß mit dem Kollegen McCartney aus. Nun ja! Beatles gegen Stones. Hm. Die Festivals fallen jetzt alle aus. Es stehen zunächst also keine Pilgerfahrten der Gemeinsamkeit mehr an. Die großen Gassenhauer muss man sich zunächst in leibhaftiger Darbietung verkneifen. Sie fallen zum Leid der armen Veranstalter aus. Nun ja, für in geschwollene  Töne gesetzte und gospelgetränte Rufe nach dem Herrn (im schwarzen Smoking) sind solche Festivals ja sowieso wenig geeignet. Mir scheint, dass durch diese Show eine Art Distanz demonstriert wurde und das, wozu das Popgeschäft in Jahrzehnten nach „Live Aid“ geworden ist. 

Begeisterung mit Distanz

Wir sind dem unablässigen Beschuss durch kulturelle Versatzstücke ausgeliefert. Etwas steht für etwas. Hat sich verselbständigt. Ist zum industriell geprägten Zeichen, zum auf sich selbst zeigenden Hinweis, zur verkürzten Chiffre geworden. Und dann die Namen! Ghandi steht für Gewaltlosigkeit. Kennedy für die Hoffnung in eine Zukunft. Trump ist eine seltsame Figur, die uns mit ihren Sprüchen und kindlichen Posen aber über die Medien fortwährend untergejubelt wird. Zeichen und Wunder: Der Eiffelturm ist ein Wahrzeichen von Paris. Die Freiheitsstatue soll etwas Wichtiges an den USA zeigen. Die Engelsstatue in Rio de Janeiro... und vieles andere. Ebenso gibt es aber auch musikalische Versatzstücke, die das Gefühl mit des Gehirns Verstand koppeln und eine Art kollektivem Gedächtnis entstehen lassen. Wenn also Freddie Mercury etwas von „Meisterschaft“ jault, wenn Michael Jackson quiekt und sich tanzend ans Gemächt fasst, dann sind das alles Zeichen, Logos, Erkennungszeichen, Auslöser von Reflexen, die sich eingegraben haben in uns. Lionel Ritchie schmalzt „Hello, - it‘s me“, Momente scheinen aufgeblasen zu einem Eindruck, schnulzen sich einer Andeutung von Identität entgegen: diese typisch übertriebenen und fast Comichaft wirkenden Emotionen sehen wir auch von sogenannten Schauspielern in vielen Fernsehfilmen (sie agieren so, dass es jeder kapiert), viele hetzen „Atemlos durch die Nacht“ und lassen der Sängerin ihre Verehrung aber sowas von spüren, dass es kracht. Celine Dio schnulzt in alle Ewigkeit ihr "My heart will go on" und Joe Cocker stöhnt sein woodstockerprobtes "With a little help from my friends". Elton John rührt mit „it‘s a little bit funny“ seinem Song und taumelt tränenreich mit „Candle in the wind“ der Beerdigung von Lady Di entgegen. Er hat den Song gleich mehrfach verwertet, der geadelte Schelm, denn er hat ihn ursprünglich für Norma Jean alias Marylin Monroe geschrieben. Wir reagieren. Wir sehen uns Reaktionsweisen gegenüber. Wir nehmen es wahr und reagieren aus einer anderen Warte, sollen aber gleichzeitig etwas von der Faszination dieser Figur transportieren, sollen ihrer populären Wirkung nachspüren und das dann möglichst begründen. Begeisterung auslösen als Folge einer langen Kette von gesellschaftlichen Mechanismen. Das eine oder andere aufzubrechen und es unter Wahrung der Massenperspektive darzustellen, könnte vielleicht die Aufgabe des Kritikers sein.

Kritik als Abgrenzung

Popmusiker und Popkritiker. Als Popkritiker hört man das Zeugs ja ununterbrochen, es ist Material, zu dessen Anhören man gezwungen ist. Kein Wunder, dass man irgendwann anfängt, im allmählich gehassten „Mainstream“ das Außergewöhnliche oder das "Innovative" zu suchen und dann zu propagieren, es öffentlich regelrecht zu fordern und zu lieben. Man hat ja den Überblick. Die meisten Kritiker freilich wollen diese ihre Sicht dann absolut setzen, womit sie schon den ersten Schritt der Entfernung vom „Normalkonsumenten“ machen, der Musik höchstens mal zwischendrin zur Entspannung hört und sehr viel mehr auf billige Popheldenverehrungsreflexe denn auf Kritikerergüsse reagiert, wofür das Gros der Popmusik auch gemacht ist. Im Rahmen seiner Rolle als Avantgardist, der alles souverän zu überblicken glaubt, scheint der Popkritiker mit solchen populären Reflexen so gar nichts am Hut zu haben und grenzt sich also fortwährend gegen solche „irrelevanten“ Bestrebungen ab. Er selbst wähnt sich viel näher am Gral, sieht sich als reflektierten Menschen, vergisst aber darüber gerne, dass die drei Buchstaben „Pop“ für „populär“ stehen. Also eine Musik, die in industriellen Verhältnissen produziert unter anderem mit grellen Effekten und Übertreibungen operiert, mit Vereinfachungen, Reflexen und Hörgewohnheiten, die nichts oder wenig auf Geschmäcklereien von "Durchblickern" gibt, sondern die Masse des Volkes („Populus“) bedient. Dieses Volk macht sie dann durch Tricks und Effekte (oft Sex, aber auch andere Egokultismen...) des Hervortuns zu Konsumenten und in der Folge zu Bewunderern, die das ausleben, was man selbst als Angehöriger einer Masse gerne ausleben würde, es aber nicht kann. Pop ist also Massenkultur, hat aber im Laufe seiner Entwicklung auch andere Ausdrucksmöglichkeiten gewonnen. Deren scheinbare „Relevanz“ und Wichtigkeit für den Fortgang des Ganzen aufzuzeigen, hat sich der Popkritiker oft vorgenommen. Seine Recherche beschränkt sich dabei allzu oft auf dem Nachspüren von Trends, im Untergrund, in der Avantgarde dessen, was man für so „relevant“ hält, dass es gar seinen Einfluss auf Massenphänomene nehmen könnte. Die Gefahr: sich in der Mitte eines Flow zu wähnen, der nur dazu da ist, bestimmten Leuten eine Möglichkeit zur Abgrenzung zu verschaffen, sich als Wissender einzuordnen, dort wo plumpe Reflexe regieren. Sicher, es gilt das Originelle aufzuspüren, das, was potentiell auch eine Masse ansprechen könnte, das mit seiner Kreativität nahezu überwältigt. Doch betrachte ich die Realität der Popkritik, so kommen mir erhebliche Zweifel an einer solchen Sicht. Meist scheint mir ja doch das nachgeäfft zu werden, was unter Wissenden und Auskennern gerade angesagt ist. 

Albenpoesie

Wenn ich mir altem Speckkopf so zusehe, dann muss ich feststellen, dass ich ganz gegen die Gewohnheiten der „heutigen“ Hörer meist ganze Alben durchhöre – oder zumindest mehrere Titel lang einem Künstler auf diesem Wege zuhöre. Ich lasse die Sounds auch oft lange Zeit durch meine Räume strömen. Mir kommt es so vor – sei es Zufall oder nicht, seien es Gewohnheiten oder ein von „oben“ gegebenes Maß – dass das typische Album eine ganz gute Länge hat, um einen aktuellen „Zustand“ zu dokumentieren. Außerdem bricht sich Kreativität in diesem Falle an mehreren Formen, zeigt, in welche „Gewänder“ und Ausdrucksformen sie schlüpfen kann. Den aktuellen Stand der Band oder der KünstlerIn wird so besser deutlich. Auch die jeweile Organisation von Klängen und Spielformen, also das Arrangement, sagt doch etwas über eine künstlerische Bemühung aus. Wobei wir schon beim nächsten Punkt wären: einem „Kennenlernen“ des Künstlers und seiner Eigenarten, die an mehreren Stücken auch deutlich besser möglich ist als an einem einzigen Stück, das mir vielleicht zur eigenen Belustigung dienen kann, mit dem jeweiligen Künstler aber nicht viel zu tun hat. So hat mich zum Beispiel der Künstler Pat Metheny (ein besonders populärer Musiker der „Jazzszene“, - igitt!) immer gefallen und es wuchs zunehmend der Wusch in mir, seine Entwicklung nachzuverfolgen. Es fehlten mir aber auch Passagen aus der Vergangenheit, die ich nach und nach mit dem Anschaffen früherer Alben ausglich. Genauso ging es mir mit Laurie Anderson und anderen, - was eine kritische Auseinandersetzung nicht ausschloß und weit von jenem Fan-Tum, dieser fanatisch faszinierten Anhängerschaft,  entfernt war, das die heutige Szene so sehr prägt. Und, was soll ich sagen? Ich habe in einem nachhaltigen Sinne davon profitiert, glaube, des Künstlers Ausdrucksformen besser verstanden zu haben, seine Phrasierungseigenheiten, seinen Klang, seine Eigenheiten - kurzum: seine musikalische Mitteilungsform.

Nur ein Spiel

Nun ja, ein bisschen ist es ja eine philosophische Frage: Diese Remix- und Remastered-Versionen von alten Meisterwerken. Das Bemühen ist ja erkennbar, nämlich alte Sachen mit dem heutigen Stand der Technik aufpolieren, sie heutigen Standards anzupassen. Doch dahinter erscheint auch ein anderes Bemühen erkennbar: noch einmal abkassieren mit legendären Werken, noch einmal verdienen und Kohle machen. Ob aber dahinter auch die Frage auftaucht, ob denn bestimmte „Meisterwerke“ in eine bestimmte Zeit gehören, ob sie sie auf ihre Weise spiegeln und eine Art Zeitzeugnis sind, das nicht unbedingt mit „heutigen“ Mittel verfremdet und „aufpoliert" werden muss? Ob jemand eine "Aktualisierung" der Werke von Johann Sebastian Bach wünscht? Ob alleine schon das andere Zeitgefühl, das solche Aufnahmen in den 60er, 70er und 80er Jahren meist prägte, zwingend dazu gehört zu einer bestimmten Produktion? Die langen Anlauf- und Aufbauzeiten, das ausgedehnte Intro samt den von virtuosen Soli durchfurchten Durchführungen gehörte ja damals dazu, waren ein Zeugnis der Bedingungen, unter denen sie entstanden sind, - oder? Andererseits könnte es wohl ein reizvolles Spiel sein, sich anzuhören, wie denn eine mit heutigen technischen Mitteln geglättete Version des alten sich anhören könnte (Die Drums ein bisschen mehr "Wumms" geben, die Raumeffekte ein bisschen ausbauen, mehr Präsenz insgesamt...etc.). Das damals vorherrschende Modell einer Band, also eines Gang-artigen Gruppenkonsenes, wird ja heute oft repräsentiert von „prominenten“ Mitgliedern solcher Bands, die sich für eine Neuinterpretation ihrer Eingebungen meist monatelang in ein Studio eingeschlossen haben. Man sollte solche noch einmal veröffentlichten „Kicks“ nicht allzu ernst nehmen, meine ich. Etwas zu renovieren und es restaurieren schafft eben gerade nicht dieses Abbild einer Zeit und der zu ihr gehörenden technischen Möglichkeiten. Es ist eine Art von Herüberretten von industriell hergestellter Volksmusik, die immer schon von den jeweiligen technischen Bedingungen abhängig war. Es ist ein Spiel zum Zwecke des Profitmachens, - sonst nichts. 

One World!

Diese Leute bohren sich offensichtlich auf recht luxuriöse Weise durch ihren Alltag. Man glaubt den jederzeit auftauchenden Diener, der ihnen willfährig zu Diensten steht, geradezu zu ahnen. Er liegt „in der Luft“. „In the Air“. Dazu tun sie so, als würden sie Klavier spielen können und nennen es „One World: Together at home“. Die Wunder des Digitalen machen es möglich. Schon ein bisschen peinlich, wenn viele von ihnen „so tun als ob“. Dabei ist alles künstlich und virtuell. Hergestellt. In Wirklichkeit beschäftigen sie oft ganze Stäbe an dienstbaren Geistern, die auf allerlei Maschinen den Sound für sie machen, die Unterlage, auf der sie glänzen wollen. Sie tragen dann meist eine vage Idee bei, damit sie später Tantiemen abgreifen können. Wichtig ist, dass sie so tun, als seien wir alle beieinander. Irgendwie. Wir alle. Wenn auch virtuell. Große ausladende Kamine durften wir bewundern. Große Räume, die die Sicherheitsabstände locker garantieren..... Bourgoises Gediegenheits-Getue. Oder auch nicht gemachte Betten, - alles zum Zwecke der Erzeugung von Authentizität. Sich selbst zur Marke machen, sich inszenieren. Wird auch an den Popakademien gelehrt.  

 

Schmalzstullen gab es genug. Lieder, die rühren und einem nahe gehen sollen. Tanzchoreografien weniger. Großmogule des populären Lieds präsentierten sich und ihre Herrlichkeit (bzw. Dämlichkeit). Die Stones dabei. Boten Handgearbeitetes dar. „You can‘t always get, what you want“. Die alten Schrumpelgesichter. Wissen, wie's alles geht! Hoben sich zwangsläufig ein bisschen ab von all den glänzenden Oberflächlichkeiten und aufpolierten Fassaden der andern. Der Trick: genau das ist ihr Image! Die unverwüstlichen Kerle! Publikumswirksam focht man dann noch einen alten Strauß mit dem Kollegen McCartney aus. Nun ja! Beatles gegen Stones. Hm. Die Festivals fallen jetzt alle aus. Es stehen zunächst also keine Pilgerfahrten der Gemeinsamkeit mehr an. Die großen Gassenhauer muss man sich zunächst in leibhaftiger Darbietung verkneifen. Sie fallen zum Leid der armen Veranstalter aus. Nun ja, für in geschwollene  Töne gesetzte und gospelgetränte Rufe nach dem Herrn (im schwarzen Smoking) sind solche Festivals ja sowieso wenig geeignet. Mir scheint, dass durch diese Show eine Art Distanz demonstriert wurde und das, wozu das Popgeschäft in Jahrzehnten nach „Live Aid“ geworden ist.